Тема уроку - Скульптури епохи модернізму і постмодернізму: П. Пікассо, К. Бранкузі, А.Джакометті та ін. Нове пластичне мислення сучасності: зразки  гігантоманії (Атоніум у Брюсселі),  кінетична скульптура.

    

Різноманітність напрямів і стилів, багатство тематики й матеріалів подарувала людству епоха модернізму і постмодернізму (кінець ХІХ-початок ХХ ст.).  Які риси властиві модернізму, постмодернізму в скульптурі? Які нові «родзинки» з’являються у творчості представників стилів? 

  

    До найбільш важливих напрямів модернізму, що вплинули на хід і розвиток сучасного мистецтва скульптури, як іі живопису, належать: імпресіонізм, конструктивізм, абстракціонізм, футуризм, кубізм, сюрреалізм тощо. Загальна тенденція в скульптурі XX ст. — її активна взаємодія з простором навколо — тобто повернення до «природних» ліній, плинність і динамізм форм, внутрішня енергія. Скульптура модернізму декоративна, вона покликана прикрашати простір, підпорядковувати його єдиному ритму, гармоніювати з індустріальним суспільством, одночасно з цим, змушувати людину занурюватися в роздуми, будити фантазію. «Первинна структура» — ось найточніша з назв, що пропонувалися для скульптурних творів цього стилю, тобто вона відображала дві її головні особливості: надзвичайну спрощеність форм і спорідненість з навколишнім світом.

     Славетний засновник кубізму Пабло Пікассо (1881—1973) створював не лише живописні композиції, а й оригінальні за формою кубістські скульптури. У скульптурі він виступав як першовідкривач не менш активно, ніж в живопису. Налічується кілька періодів в його біографії, коли він майже повністю віддавався створенню тривимірних творів, до яких належать і «чиста» скульптура, і декоративна кераміка, і просторові композиції.

   Вперше Пікассо звернувся до скульптури в 1901 році, перебуваючи в Барселоні. До найранніших його робіт відносяться маленький етюд «Сидяча жінка» (1901, бронза), а також дві відомі бронзові маски 1903 року: «Сліпий співак» і «Пікадор зі зламаним носом». Потім, уже в Парижі в 1905 році, були виліплені «Шут», «Жіноча голова (Фернанда)», «Аліса Дерен», «Жінка, що розчісує волосся». Всі ці роботи, перелиті в бронзу, поривають із традиціями Родена, а за світосприйняттям і емоційним настроєм близькі картинам. 

       У 1912 році Пікассо, використовуючи досвід кубістичного живопису, створив ряд творів, що стали своєрідною «путівкою в життя» кількома напрямками в західній скульптурі XX століття. Мотиви цих робіт збігалися з його мальовничими натюрмортами - гітара, скрипка, келих, пляшка. Деякі ще залишалися настінними композиціями, інші набули характеру круглої скульптури. Багато творів цього роду зруйнувалися, так як виконувалися з паперу та картону, а потім розмальовувались. Збереглися ті, які зроблені з дерева і металу.

      У 1914 році Пікассо вперше ввів в свої композиції готові промислові вироби, використавши їх на цьому етапі «за прямим призначенням». Йдеться про бронзовому «келихом абсенту», існуючому в шести варіантах, фактурних і колірних, з включенням в пластичний образ ложки для цукру. Вирішуючи просторову задачу Кубістичні методом, художник «розкрив» стінку келиха, показавши рівень рідини всередині. Це теж стало «першою ластівкою» взаємопроникнення зовнішнього і внутрішнього просторів в пластичному образі, що знайшло свій розвиток в скульптурі XX століття.
      У 1914 році Пікассо вперше ввів в свої композиції готові промислові вироби, використавши їх на цьому етапі «за прямим призначенням». Йдеться про бронзовий «келихом абсенту», існуючому в шести варіантах, фактурних і колірних, з включенням в пластичний образ ложки для цукру. Вирішуючи просторову задачу кубістичні методом, художник «розкрив» стінку келиха, показавши рівень рідини всередині. Це теж стало «першою ластівкою» взаємопроникнення зовнішнього і внутрішнього просторів в пластичному образі, що знайшло свій розвиток в скульптурі XX століття.
     На рубежі 20 - 30-х років Пікассо реалізує в скульптурі ідеї, що збігаються з його сюрреалістичними картинами. Він працює в різних матеріалах - дереві, гіпсі, металі, розфарбовує дерево і покриває піском гіпс і картон,  домагаючись своєрідних ефектів фактури. У цей час з'являються і перші асамбляжі, зібрані з різних предметів, шматків і уламків, а потім відлиті в бронзі. Дивовижна винахідливість, здатність побачити у звичайній речі нікому невідомі якості, почуття гумору, які втілилися в цих творах Пікассо, викликають подив глядача. Першою такою роботою була велика композиція «Жінка в саду», зроблена разом з Хуліо Гонсалесом, другом і співвітчизником Пікассо, який прекрасно володів техникою зварювання.

       У зрілий період свого життя, вже відомий художник, автор десятків тисяч картин, створює керамічні вироби та збирає незвичайні декоративні предмети. Митець у цей період, крім гончарства, зосереджує свої творчі зусилля в скульптурі,   у  «Валлоріський» час  (від 1947 року Пікассо майже постійно жив у Валлорісі на півдні Франції), Пікассо створив велике число керамічних виробів під своєю власною маркою, переважно антропоморфічних горщиків, і бронзових скульптур, чимало з яких дотепер зберігаються в містечку. Ці роботи експонувалися на місцевій виставці 6 серпня 1950 року. У 1956 році Пікассо створив «Купальників» — скульптури з дерева, які згодом вилив у бронзі. 
    Невгамовна, пофарбована іронією фантазія Пікассо проявилася і при створенні в 60-х роках розфарбованих скульптур з листового заліза. Спочатку він складав, вирізав і розфарбовував папір або картон, в результаті чого з'явилися жіночі голови в мантильях, мавпи, сови, півні, фігури, які стоять. За такими моделями викроювався, вигинався і розписувався металевий лист. Деякі з цих робіт були використані в якості ескізів для монументальних споруд із залізобетону або сталі, як, наприклад, композиція зі звареного металу для Чиказького громадського центру.

     Його «вироби» відрізняються неповторністю форми і самобутністю розпису. Сміливість Пікассо в поводженні з керамікою вражала керамістів- професіоналів. Сира посудина, що зійшов з гончарного круга, потрапляючи в його руки, перетворювалася в жіночу фігуру, птицю, кентавра чи іншу дивну істоту, які знаходили остаточний вираз після розпису і обпалення.

      Пікассо вельми рідко виставляв свої скульптурні роботи. Лише в зв'язку з 85-річчям художника в Парижі, Лондоні і Нью-Йорку були організовані спеціальні виставки скульптури Пікассо, включили більше двохсот експонатів. Він дуже неохоче розлучався з цими роботами, і багато надійшли в музеї тільки після згаданих виставок. Цим, ймовірно, пояснюються і різночитання в назвах і датах. Популярністю користувалися, в основному, бронзи, відливали відразу в декількох екземплярах.

 

   Митця румунського походження Константина Бранкузі (1876—1957) вважають одним із піонерів абстрактної скульптури. Він намагався втілити образ птаха в універсальній і лаконічній формі, вловити політ як символ.

    «Твори як бог, наказуй як король, працюй як раб» – так звучить девіз Костянтина Бранкузі. Критики називали його епатажним бунтарем-авангардистом, але сам себе автор таким не вважав. Він говорив, що ніколи не йшов від реалізму, а просто його переосмислив. 

    Абстракцію Бранкузі вважав куди більш справжньою реальністю – суттю всіх речей. Починав він з класичної скульптури, на виставці представлені знімки його академічних робіт (фотографував сам) , але в історію він увійшов як новатор і майстер експерименту.

    Бранкузі був закритою людиною і, як будь-яка творча особистість, зі своїми примхами. Так, наприклад, на початку століття, коли в рідній Румунії його не визнали, він повторив подвиг Ломоносова: спочатку пішки добрався до Мюнхена, через два роки – до Парижа. У столиці Франції фортуна йому посміхнулася: він став асистентом Огюста Родена, але досить швидко від нього пішов, сказавши на прощання, що під великим деревом нічого не росте.

     У Нью-Йорку у 1926 році році повинна була відкритися виставка скульптур Бранкузі. Її організацією займався Марсель Дюшан, один і представник французького скульптора в Америці. Саме він і повинен був прийняти на американській стороні нову скульптуру – Бранкузі працював над цією формою кілька років, домагаючись точності і інтуїтивної схожості, збіги, злиття ліній і внутрішньої сутності, варіював знайдену формулу в бронзі, гіпсі, мармурі. Це була «Птах у просторі»: точне рух, бездоганна траєкторія, чистий політ.

   На американському кордоні скульптуру визначили в розряд «Кухонне начиння і лікарняні приналежності» і зажадали податок в розмірі 40% від вартості. Твори мистецтва ж, відповідно до закону, податками не обкладалися. Але «Птах у просторі» опинилася поза законом: «твір мистецтва має бути вигото влено за допомогою різьблення або лиття, імітувати природні об'єкти, найчастіше форми людського тіла». Довгі години суперечок, захисники і обвинувачі, скрипучі іржавими шарнірами формулювання, імениті, шановні свідки –  і один французький птах, і на птицю-то не схожий, змінила законодавство США.

    Суд визнав, що «Птах» Костянтина Бранкузі все-таки мистецтво і що законодавче визначення твору мистецтва, застосоване до неї, дійсно застаріле: «У наш час розвивається так звана нова школа в мистецтві, чиї представники намагаються зображати абстрактні ідеї, а не наслідувати природним об'єктам. Незалежно від того, подобаються нам ці нові ідеї і школи чи ні, ми вважаємо, що факт їхнього існування та їх впливу на світ мистецтва повинен бути врахований і визнаний судом».

    Своїми скульптурами майстер прагнув створити зовсім нову реальність. Він стверджував, що будує образ скульптури з нічого, що образ народжується зсередини і простір є також важливою його частиною. Н. Габо вважав, що твір могла б створити природа, але не створила. Природа робить це через скульптора.

     

Культовий для мистецтва сучасності експресіоністичний твір «Людина, яка крокує» швейцарця Альберто Джакометті (1901—1966) зображений на швейцарській банкноті 100 франків. Тонка, мов лезо, крихка бронзова фігура з грубою поверхнею зображує самотнього пішохода. Скульптура в людський зріст (183 см), створена для міської площі, була продана на аукціоні Sotheby’s за рекордні для пластичного мистецтва 104,327 млн доларів.

Безперечно, цінність творів мистецтва не вимірюється тільки грошима. Проте міжнародні художні аукціони демонструють світові тренди, виявляють тенденції моди, відкривають нові імена та роблять сенсації. Адже торгівля творами мистецтва перетворилася на великий бізнес.

     Те, що так тішило екзистенціалістів у творчості Джакометті, було, мабуть, відображенням його душі. Бентежні, болісно тендітні уламки, стиснута до межі форма. Безпритульність і космічне самотність – ось що відчував він, неодноразово повторюючи ці емоції і на словах, і в своїх творах. Квінтесенцією цієї неприкаяності сам скульптор вважав бронзову собаку (1951), сумну в своїй реалістичності. Зламані, з неправильними пропорціями, витягнуті фігури заповнювали його майстерню…Застиглий в кожній фігурі безмовний заклик про допомогу... Самотність жила і дихала у всьому, що виходило з-під руки Джакометті, хоч він і прагнув не упустити жодної деталі з «зовнішнього світу». Парадоксально, але створений образ не відштовхував паризьку публіку. Навпаки, Джакометті був прийнятий на «ура» паризької богемою, що бачила в його відстороненості втілення своїх уявлень про творця.

Джакометти творив так, як бачив, тому що міг собі дозволити цю безмірну творчу свободу.

    Подібно  багатьом творцям, він прагнув досконалості і ніколи не був повністю задоволений, але в той же час не прагнув до слави. Вона наздогнала його сама і навіть зміцнилася після смерті. Серед тіней, які нагадували його скульптури, незримо була присутня ще одна: Дієго Джакометті, дизайнер, скульптор і молодший брат, який завжди задовольнявся другим номером. Завдяки йому Альберто багато років міг творити відносно спокійно, і саме Дієго подбав про створення бронзових виливків на основі гіпсових і глиняних скульптур брата. Його старання дозволили відкрити виставку, демонструвала весь творчий шлях Альберто Джакометті з ранніх літ.

У 1962 році на Венеціанській бієнале Джакометті був визнаний кращим скульптором сучасності.

 

       Об’єктів, що привертають увагу сучасних скульпторів, багато. Чимало творів присвячено тваринам. Приміром, у Бремені біля міської ратуші встановлено пам’ятник Бременським музикантам.

    На Дунаї в Будапешті є оригінальна кінетична скульптура — велосипедист, що ніби їде по воді (течія ріки рухає колеса).

    Залізний кінь мчить «Парком Європи», відкритим неподалік від Вільнюса. Найцікавіший експонат цього музею скульптура просто неба — лабіринт, побудований більше ніж із 3 тис. старих телевізорів («Інфодерево ЛНК»). Він занесений до Книги рекордів Гіннеса як свого роду найбільша «скульптура».

     

У сучасний урбанізований простір органічно вписуються масштабні об’єкти, що  відображають нове пластичне мислення. Зразком гігантоманії є унікальний Атоніум у Брюсселі. Конструкція (заввишки 102 м і вагою 2400 т) відтворює просторове розташування дев’яти атомів кристала заліза, збільшеного у 165 млрд. разів. За задумом, пам’ятка символізує науково-технічний прогрес, мирне використання енергії атома, важливу роль заліза в розвитку світової економіки. «Атоми» у формі сфер, вкритих металевими пластинами, з’єднані трубами — це коридори з ескалаторами для пересування відвідувачів музею.

 

    Кінетичне мистецтво, кінетизм (грецькою kinetikos — «дія, що приводить до руху») — напрям у сучасному мистецтві, що обіграє ефекти реального руху всього твору або окремих його складових. Кінетизм ґрунтується на уявленні про те, що за допомогою світла і руху можна створити твір мистецтва. Об'єкти представляють собою рухомі установки, що виробляють при переміщенні цікаві поєднання світла і тіні, іноді звучать. Ці ретельно сконструйовані пристрої з металу, скла або інших матеріалів, з'єднані з миготливими світловими пристроями, отримали назву «мобілів».

     Отже, модерністська скульптура поступово здобула визнання і, за деякими винятками, втратила свою приголомшливу новизну. Різноманітність напрямів у цих стилях величезна. Вона була і на початку XX ст., і продовжує поповнюватися сьогодні. Людина — особистість і індивідуальність, творець. І поки вона буде мислити, різноманітність в мистецтві буде жити.

   До творів скульптури нині відносять композиції поп-арту у вигляді конструкцій із пивних банок чи гігантських вінілових гамбургерів. Термін «скульптура» вживають сьогодні щодо ширшого кола мистецьких явищ (мобілів, інсталяцій тощо). Постмодернізм узяв із різних європейських стилів щось особливе і потрібне для подальшої творчості. Сучасні скульптори не перестають експериментувати й дивувати, стимулюючи сильні емоції та інтерес до всього нового, оригінального.